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BLOG: CUADERNO EN FLOR



 

Saturday, 5 Aug 2017 El momento más hermoso
Desde hace ya diez años dibujos casi exclusivamente plantas y flores. A veces siento que hay muchas explicaciones para esto (la herencia familiar de un oficio, haber vivido mi infancia en una casa con jardín, el gusto por los perfumes, etc) pero la que suelo preferir es la má simple y llana: dibujo flores porque me gustan.

Y era ésta mi respuesta favorita hasta hace muy poco, cuando escuché al chef brasileño Alex Atala explicar lo que para él representa la flor:
Una noche tuve un sueño, yo caminaba por la calle como un chico que va de la mano de su padre o madre, alguien mayor que me guiaba.
Y yo le preguntaba a esta persona más grande cuál es el sentido de la vida. Y el me mostraba círculos, cíclos de vida. Y después me mostraba una flor. ¿Por qué? Una planta tiene un ciclo. Una semilla se transforma en planta que da flores y se transforman en frutos. Los frutos cáen. Hay otra semilla y la semilla crece otra vez. Eso es un cíclo. Y yo digo: ya veo, ahora entiendo. ¿Pero por qué me mostraste una flor? Y el contestó: la flor es el momento en que nosotros vivimos, el momento más hermoso del ciclo. El momento más hermoso. Contémplalo.

    

Como forma de ejercitar mi mano y mantener la línea ;-) deicidí hacer un ejercicio y dibujar con grafito flores tomadas de las obras de Giovanna Garzoni, pintora italiana pertenciente al período barroco, quien desarrolló su trabajo con gran maestría en una época donde las artes eran cosa de hombres. Sus naturalezas muertas con frutas y flores son de una belleza exquisita y de una gran delicadeza y riqueza de color.

Mi ejercicio consistió en elegir flores de sus pinturas y representarlas en grupos o aisladas pero siempre rodeadas por un espacio blanco en reemplazo de los entornos detallistas y descriptivos. La historia relatada por Alex Atala la escuché mucho después de haber realizado los primeros dibujos de la serie y sin embargo llegó en el momento exacto cuando no encontraba las palabras para darle un contexto a estos nueva serie. La idea la flor como representación de nuestra vida y como parte de un cilco más grande, la brevedad y lo efímero de la existencia, fueron ideas que resonaron en mí. El trabajo en detalle de las flores que elegí reinterpretar simboliza lo complejo de la vida con sus vueltas y recovecos y el espacio blanco a su alrededor es aquello que no podemos ver pero que igual existe, lo que nos sostiene y envuelve, aquello más grande de lo cual formamos parte.

     

Cuando Kenia Mihura me invitó a participar de su nuevo proyecto no estaba muy segura de qué tipo de imágenes serían las adecuadas. Ella eligió tres dibujos de la serie Las flores de Giovanna y algunos otros trabajos míos que hoy, junto a la obra de otros artistas forman parte del catálogo de Pulso un espacio dedicado a la venta de dibujos y pinturas sobe papel en pequeño y mediano formato el cual ella define de la siguiente manera:

El dibujo siempre ha estado presente en nuestras vidas de manera espontánea, creo que todo artista descubrió su vocación improvisando gestos sobre una hoja en blanco. A pesar de la especialización en otras técnicas, el dibujo siempre aparece de alguna u otra manera como ejercicio, boceto o estudio de formas. La hoja suele ser menos intimidante que una gran tela. Esa libertad de expresión que encuentro en las obras en papel me atrapó desde que empecé a trabajar en la gestión de proyectos de arte hace más de quince años. Quiero difundir esos trabajos que suelen tener poca exhibición en espacios comerciales, lograr que habiten nuevos espacios y que los disfrute más gente.

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Tuesday, 25 Jul 2017 Bordando ideas
Una mañana de invierno parecida a ésta disfrutaba del aire fresco del patio repleto de plantas de la casa de Nilda Rosemberg. Mientras tomábamos mate y charlábamos de tantas cosas fueron surgiendo ideas que hoy, un año más tarde, me resultan especialmente resonantes.
Como ella me dijo ayer mientras nos saludábamos con felicidad en la inauguaración de la muestra Los Coleccionistas en la cual participa con varias obras, "a veces está bueno dejar transcurrir el tiempo".

Partes de aquella charla quedaron grabadas y decidí transcribirlas para poder seguir reflexionando acerca de lo que significa hacer con las manos.

A continuación, las palabras de Nilda:
Estoy investigando el tema de la intersección entre arte y política en relación al textil.

Encontré un artículo que vincula desde las arpilleras de Violeta Parra y Bordamos por la Paz hasta gente en Chile que está trabajando con los refugiados de Argelia y el bordado siempre aparece como un elemento silencioso que recicla una energía y resulta sanador. Es además comunitario.

Y todos estos proyectos de activismo y bordado que estoy investigando son comunitarios. ¿Por qué?
Porque para que se produzca esa situación de activismo tiene que haber un grupo de gente que cosntruya una memoria y que, en ese tiempo y en esas situaciones de insistir desde lo pequeño, hace que se genere algo que después se sostiene en el tiempo.


Algunos artistas trabajan solos pero involucran a otra gente y a mi modo de ver tambien están haciendo una especie de activismo.

Por ejemplo en Tucumán, donde el bordado tiene su importancia, existe la randa, un bordado típico europeo que lo tomaron las hilanderas tucumanas y que ahora es una cualidad del bordado en esa provincia donde se instaló y se llama randa solo ahi y las randeras son propias de ese lugar. Viene de todo lo que es el bordado a bolillo y se toca un poco con lo que hacen en Paraguay que es el ñandutí que se trabaja con una cerda más dura y las randas son siempre blancas, el ñandutí es de color.
Ahi estuve con Archivo Broderie, y registré para mi proyecto una obra de la artista Carlota Beltrame que trabaja con randas en las que borda frases políticas, desde el Che Guevara hasta Alfonsín y el "que se vayan todos". Armó una muestra con esos bordados enmarcados que se llamó Utopías. Ella tiene una mirada política muy directa que atraviesa toda su vida, desde que nacio hasta la actualidad. Hace como un recorte político y lo borda sobre randas. Trabaja sola, pero yo me preguntaba si es eso activismo. Y lo és, porque tiene mucho compromiso con su obra en la cual incorpora elementos históricos y frases de otros.

Sería interesante poder redefinir qué es activismo pensándolo desde lo comunitario.

Pensaba también en mi performance donde la gente borda sobre mi pollera, lo que transforma mi vestimenta en soporte de la obra y yo me salgo del lugar de la oratoria. El bordar está en relación con la vestimenta y por ende con el cuerpo. Los límites son borrosos.

Son todas preguntas que me van surgiendo y creo que lo más interesante es transitar por esos lugares.

Es importante resaltar que en todas las comunidades donde estuvo prohibida el habla y la comunicación entre mujeres, el bordado fue el idioma que se utilizó.
Inclusive ahora, las bordadoras de Bordamos por la Paz en México (que no son sólo mujeres pero sí lo inció una mujer) se juntan en las plazas a bordar los nombres de los muertos por la violencia mexicana pero nunca los corrieron. Lógicamente es una actividad donde la gente está en grupos pequeños, bordando sentados y en silencio y aunque estén en un lugar público el contenido del bordado pasa inadvertido y se tolera. Todos saben lo que ellos hacen y hasta se publicó un libro sobre el tema, no es un secreto.

Lo que creo que pasa con el bordado es que es casi invisible porque se camufla demasiado con lo cotidiano, es silencioso, ocupa poco espacio y es portatil. Entonces si hubo mudanzas, si hubo exilios, el bordado permaneció.

En las imágenes, tres obras de Nilda Rosemberg que forman parte Archivo Broderie a través del cual registra piezas bordadas de todas las épocas y estilos pero cuyo principal objetivo parece ser rescatar el fuerte contenido sentimental que estos bordados tienen para quienes se acercan a participar del proyecto. De esta forma Nilda logra poner en palabras escritas aquello que no está dicho y redimensiona los lazos con el pasado devolviéndolos a la cotidianeidad.

El día 12 de agosto en la Casona de los Olivera en Parque Avellaneda Nilda Rosemberg estará presente con Archivo Broderie lista para recibir a quienes quieran llevar sus piezas bordadas para ser registradas.
Comentarios

Gracias Ceci por compartir ideas, mates y tardes de patio!!!!

 

nilda rosemmberg
25 Jul 2017, 4:16 PM

Gracias a vos Nil! Y que se repita pronto :-) Besos!!!

cecilia
27 Jul 2017, 8:27 PM
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Sunday, 16 Jul 2017 Usar las manos
Hace más de un año y medio comencé a leer un libro sobre el movimiento Arts and Crafts (por Rosalind P. Blackesly) que, en algún momento interrumpí y quedó abandonado. Pero anoche lo terminé y me gustó recordar el motivo por el cual había elegido leerlo: mi interés por el trabajo manual.
Y ahi, justo sobre el final estaba aquello que esperaba confirmar en la voz de alguien que lo estudió en profundidad.
Aquí, nos encontramos con formas más sutiles en las que los ideales del Arts and Crafts continúan infiltrándose en nuestras vidas. Los intentos clave para abordar algunos de estos problemas -la práctica del comercio justo, por ejemplo- hacen eco en la artesanía y la identificación de productos de calidad con estilos de vida saludables. En comunidades localizadas (...) En un nivel más interno, ha habido un resurgimiento del ethos de la Vida Simple en las acciones de aquellos que optan por abandonar carreras exitosas y de alto perfil para buscar una mejor calidad de vida en el campo.Tales cambios a menudo implican el abandono de las ocupaciones de escritorio que utilizan la cabeza, en favor de hacer las cosas a mano (..) Así, la teología del Arts and Crafts - que un mejor ambiente puede conducir a mejores productos y una vida mejor - continúa teniendo un impacto en la manera en que manejamos nuestro mundo y dirigimos nuestras vidas.


Es muy interesante observar la forma en que los movimientos artísticos y sociales se prolongan en el tiempo y engendran otros nuevos nutriéndolos de sus principios.
Aunque no creo que lo que hoy esté sucediendo sea una continuación, estoy de acuerdo con la autora en que todavía hay artistas que, de forma aislada, producen obras que hacen eco en los principales lineamientos del Arts and Crafts (especialmente aquellos que inscriben su obra en la búsqueda de una revalorizacion de lo autóctono como forma de identidad).

Esta corriente tuvo una enorme expansión ya que se manifestó de distintas formas en distintas ciudades del mundo y contó además con un fuerte transforndo político asociado principalemente a las inclinaciones de William Morris (figura central y referente absoluto junto a los escritos teóricos de John Ruskin).
Teniendo en cuenta que hoy en día la coyuntura es diferente hay sin embargo algo que se repite en este incio de siglo y es la necesidad de volver a lo manual, de alejarse de la máquina, pero ya no como una reacción a la industrialización sino al impactante avance de la tecnología y creo que, irónicamente, a la comodidad y el confort que ha crecido en los últimos años a niveles nunca antes conocidos.


En las últimas décadas nuestra vida diaria se vio transformada por el uso de la electrónica que nos permite estar en contacto con el mundo entero sentados desde nuestra casa, los servicios evolucionaron al punto de que no es necesario salir para comprar artículos de necesidad básica como comida (o practicamente cualquier otra cosa que precisemos) y a través de nuestras pantallas tenemos acceso a entretenimiento constante. El equipamiento hogareño también llegó a niveles futuristas y con apretar unos pocos botones obtenemos comida lista y platos lavados.
Con respecto al mundo exterior, el transporte público y privado evolucionó y se expandió de tal manera que podemos ir de puntos alejados de una ciudad en minutos y cómodamente sentados.
El resultado de todos estos avances es que nos vemos ante la necesidad de realizar actividades físicas con más frencuencia para mantener sanos nuestros cuerpos que perdieron la costumbre del movimiento debido a la vida sedentaria tras escritorios y pantallas.
Pero hay quienes entienden que las soluciones puntuales no sirven porque lo que nos pasó fue un cambio drástico de forma de vida que nos ofrece todo al alcance de la mano pero que, a pesar de las predicciones, no logra hacernos felices.

Es ahi donde las labores manuales reapracen y toman un rol central porque es una de las características que nos difrenecia de otras especies y que nos hace humanos: la creación de herramientas, la preparación de comidas, la construcción de estructuras complejas. Nuestras manos no solo sirven para apretar botones.

Uno de los objetivos del Arts and Crafts era mejorar la vida cotidiana de las personas haciendola más fácil, cómoda y estéticamente atractiva, convencidos de que así la gente llevaría un mejor nivel de vida y por ende sería más feliz. Partían de los objetos para extender estos principios a la arquietctura. De ahi la famosa frase de Morris "Have nothing in your house that you do not know to be useful, or believe to be beautiful" que hoy se vuelve a retomar pero desde otro punto de vista, ya no en el rechazo de productos industriales como opuestos a lo artesanal sino al exceso producido por la sociedad de consumo que nos llevó a llenar nuestros hogares de cosas inútiles, no porque no estén bien confeccionadas o no funcionen o no sean estéticamente lindas sino porque las poseeemos en exceso y no las utilizamos. Asi la acumulación pasó a ser un problema en contraste obseno con la enorme cantidad de población en el mundo que todavía hoy no tiene solucionadas sus necesidades básicas.


Los lujos accesibles que hoy podemos darnos se vuelven en nuestra contra encerrándonos en hábitos de consumo indiscriminado que no nos hacen más felices.
Y la busqueda de la felicidad es el camino eterno del ser humano. Asi muchos toman conciencia y de a poco van pensando soluciones y revisando el pasado en busca de alternativas que podríamos reconsiderar.

Es ahi donde aparece el Arts and Crafts con su ethos de la vida cotidiana práctica, simple y feliz o "The Simple Life". El enfoque va de adentro hacia afuera, del hogar a la ciudad, del objeto al edificio. Se reconsideran algunas de las acciones extremas que fundadores del moviento tomaron para poder implementar sus principios, como abandonar la urbanidad para irse a vivir al campo en busca de ese mundo agrario que ellos veían desaparecer y en el cual creían ver la solución a todos los problemas de su época.
Yo no creo que abandonar las ciudades o rechazar los avances tecnológicos y científicos sea la solución a nuestros problemas (de hecho creo que solo causaría otros nuevos), pero sí pienso que es preciso volver a conectarnos con aquello que nos hace humanos, nuestras manos, y usarlas para reconocer nuestro entorno y poder entender el mundo no sólo de forma intelectual sino también sensible.
Fabricar objetos y elementos, cocinar, sembrar, cultivar y percibir el mundo a través de ellas, tocar y sentir la forma en que está hecho.

Otra expresión de estas ideas se puede encontrar en el movimiento Slow y su énfasis en la vida lenta como una forma de deshacelerar el paso. Sus consignas hacen énfasis en el rechazo la la homogeneización provocada por el avance de la globalización focalizandose en lo local como modo de mejorar la calidad de vida y la felicidad de las personas. Su principal manifestación se ha dado en lo que se conoce como Slow Food o comida lenta (como opuesto a la comida rápida o chatarra que simboliza a la sociedad de consumo) y busca rescatar las tradiciones y actualizarlas para permitir a las personas construir una identidad propia. Sabiendo de donde uno viene puede entonces pensar y elegir a dónde ir.


Hubo una cuestión puntual que fue la que llevo a la desvalorización del movimiento Arts and Crafts y fue la idea de que era una corriente retrógrada y medievalista que simplemente miraba al pasado y lo romantizaba sin apreciar las maravillas de la modernización.
Es cierto que Morris rechazaba en sus prácticas el uso de tecnología de su época abogando por el regreso a las actividades como se habían conocido en la época medieval como una forma de recuperar un lazo con el pasado (la artesanía) que corría riesgo de perderse para siempre.

Asi fue como una de las iniciativas, en plena revolucion industrial, fue montar un taller de estampado textil manual con bloques de madera tallados a mano. El resultado fue la producción de telas hermosas y costosas debido al trabajo requerido. Pero aunque no logró cumplir todos los puntos del programa que se había impuesto (una de ellos era que los productos realizados fueran accesibles para la clase trabajadora) hoy en día posee un enorme valor como testimonio de una oficio y cómo forma de tratar de entender, de manera física y no solo intelectual, como había sido la vida en el pasado para poder asi solucionar problemas del futuro.
Este punto es de gran relevancia hoy en día ya que su pronóstico se cumplió y se ha perdido muchísimo del conocimiento práctico y los oficios van desapareciendo, lo que representa no sólo una perdida invaluable para la sociedad sino también la anulación de tradiciones e identidad.

Pudimos entonces saber que volver a las tecnologias del pasado no era la verdadera solución pero que poder entender la forma en que hacen y producen nuestro objetos nos ayuda a salir de la alienación que genera la sociedad industrializada.
Un principio similar fue tomado por el movimiento Art Noveau, que tiene muchos puntos en con el Arts and Crafts pero que, a mi modo de ver, su rasgo principal fue de caracter estético ya que su unidad se basaba en la creación de una nueva estética acorde a su época, mientras que en el Arts and Crafts la coherencia esta dada, sobre todo, por los objetivos de caracter social.

Pero hoy también sabemos que el consumismo no es el camino y que la industrialización y la tecnología no nos conducen a la felicidad si no van a compañados de un interés genuino en las necesidades humanas y no tiene por objetivo el bienestar de las personas sino que se limita a obtener ganancias sin considerar los costos.

Pienso que la réplica al movimiento Arts and Craft 150 años después de su surgmiento está en las acciones que nos llevan a perder un poco de comfort para redescubrir nuestro mundo y la forma en que funciona, todo aquello que nos hace concientes.
Quizás ya no se trate solo de buscar lo bello y lo útil, sino también lo extraño, lo que nos hace pensar y nos abre nuevamente los ojos.

A veces las soluciones son tan simples que por eso no podemos verlas. Reconectarnos con el lugar donde vivimos no requiere más que ganas e imaginación. Pero con esto no me refiero a pensar en las actividades manuales como simples distracciones de la rutina y aliviadores del etrés sino como formas de pensar y de centrarse, de tomar conciencia de las acciones y del poder individual. Cada acción por pequeña que sea tiene valor, como cada pincelada deja una marca. El hacer es también una forma de reflexionar.

No se trata de hacerlo bien, sino de hacerlo.
Usar las manos debería transformarse en constumbre diaria y necesaria, no como una forma de dejar de pensar sino como una manera sensible de reflexionar.

Los invito a animarse a dejar por un rato todos los prejuicios de lado y a realizar tareas simples cuyo único objetivo sea disfrutar del tiempo sin apuro y del placer de hacerlo sin pensar en el resultado.

Comentarios

Me encantó este post Ceci, soy fa n° 1 de William Morris...con nuestra tienda Almacen Feliz pretendemos revalorizar los objetos hechos a mano, con tiempo, dedicación y sobre todo amor..Te copio algo que escribí en nuestra web para presentar a la tienda, te mando un beso!

ALMACÉN FELIZ ES UNA TIENDA QUE CREE EN LOS EMPRENDIMIENTOS, EN LOS ARTISTAS, EN EL VALOR DE LO HECHO A MANO. CREE EN EL VALOR DE LAS PIEZAS ÚNICAS CREADAS A PARTIR DEL SUEÑO, TRABAJO Y TIEMPO DE PERSONAS APASIONADAS QUE AMAN LO QUE HACEN. POR ESO EN TODAS NUESTRAS SECCIONES ENCONTRARAN AL AUTOR, ARTISTA O MARCA DE CADA OBRA O PRODUCTO PORQUE ELLOS SON LOS "HACEDORES" Y NOS PARECE QUE QUIEN ELIJA LLEVAR A SU CASA O REGALAR ALGO DE NUESTRO ALMACÉN DEBE CONOCER SU HISTORIA.

“El Slow Made propone una nueva economía, virtuosa y justa, que reubica al hombre y sus valores en el corazón del sistema productivo. Similar en espíritu al movimiento Arts & Crafts del británico William Morris, el Slow Made de Marc Bayard pone la calidad por sobre la cantidad y revaloriza los oficios y procesos artesanales..." - Florencia Tagino -

Vicky
27 Jul 2017, 10:32 PM

Qué bueno Vicky!!! Me encanta que en Almacén Feliz valoren a quienes hacen. Eso también habla de ustedes, de su gentileza y de una visión más justa y humana del comercio. Gracias x compartir, especialmente por la cita de Florencia. Besos!

cecilia
27 Jul 2017, 10:33 PM

cómo me gustó este post!!! ponen en palabras lo que pienso y trato de vivir

 

 

Felicitas
11 Aug 2017, 7:14 PM

Gracias Felicitas por compartir tu punto de vista :-)

cecilia
13 Aug 2017, 10:38 PM
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Saturday, 8 Jul 2017 Dúos
Un mundo flotante donde las relaciones entre los seres y las cosas cambian a medida que se van encontrando o alejando.
Un espacio sin superficie de apoyo y compuesto por objetos leves que parecen impulsarse hacia arriba o volar en picada en busca de un suelo inexistente.
O simplemente se dejan fluir.
El fondo: una cortina a veces opaca, otras translúcida que deja lugar a que, aquel que mira, pueda agregar una parte propia al conjunto.
Un rompecabezas interminable e intercambialble como un mundo en transformación que acepta e invita al cambio desde la perspectiva propia.


La serie Los Sueños esta compuesta por dúos de dibujos que se combinan desde cada uno de sus lados. De esta forma pueden colocarse juntos de forma apaisada o vertical y siempre se va a formar una imagen levemente diferente en cada posición. No tienen un derecho ni un revés y la firma este realizada en forma de círculo de tal manera que abre el abanico de posibilidades agregando nuevas combinaciones.

Me refiero a ellos como dúos y no como dípticos ya que cada uno funciona perfectamente de forma individual y la idea de combinarlo con otro es simplemente una forma de ofrecer una posibilidad lúdica en donde quien lo elija puede exhibirlo como guste y cambiar la combinación logrando que la imagen acompañe los cambios de la vida.

Himi 1 y 2
Tinta, nogalina, marcador y latex sobre papel.
35x25cm (c/u)
2017
Contacto: https://www.pulsoarte.com/
 

Papiros 1 y 2
Tinta, nogalina y lápiz sobre papel.
24x26cm (c/u)
2017
Contacto: cecilia@ceciliaborghi.com
 

Flores de papel
Tinta, lápiz y latex sobre papel.
35x25cm (c/u)
2017
Contacto: cecilia@ceciliaborghi.com
 

Kere 1 y 2.
Tinta, marcador, nogalina y latex sobre canson color.
50x70cm (c/u)
2017
Contacto: cecilia@ceciliaborghi.com
 

Fantasía Floral 1 y 2
Tinta, lápiz y latex sobre papel
50x70cm (c/u)
2017
Contact: cecilia@ceciliaborghi.com
 

Laguna 1 y 2
Tinta, lápiz y latex sobre papel
25x35cm (c/u)
2017
Contacto: cecilia@ceciliaborghi.com
 
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Tuesday, 4 Jul 2017 This is not here
Esta es mi versión bricolage de la frase sobre la puerta de la casa en Tittenhurst Park que compartían John Lennon y Yoko Ono y que puede verse brevemente en el video de Imagine cuando ellos se paran frente a la entrada y se desmaterializan para luego aparecer en el interior completamente blanco donde Yoko abre las ventanas y John toca el piano.

Siempre quise esas palabras en mi propia casa, un guiño surrealista a la idea de que el hogar no existe de por si, uno mismo lo inventa y genera asi su propia realidad.

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Monday, 3 Jul 2017 La forma de las flores
Me gusta trabajar mirando hacia adentro, pensando en lo que pasa en mi interior pero prestando atención también a la parte interna de las formas.

En el año 2009 realicé mi primera serie de Flores que continuaría por cinco años más dando como resultado varias obras que las incluirían.
Ya por aquel entonces surgió la inquietud de trabajar el interior en lugar de concentrarme sólo en la parte externa, cuestión que en la primera serie tuvo sentido ya que era una reinterpretación volumétrica de los decorados florales utilizados sobre porcelana.

Comencé por probar distintas maneras de modelar el lado interno de las piezas de forma tal que pudiera ser apreciado casi a simple vista pero que a al mirarlas se sientiera la necesidad de observar con más cuidado.
Fenix, Venus y Jardín de las Hespérides fueron tres de los resultados.

En 2015 con la obra Anémonas en Rojo me animé a disminuir los detalles y esmaltar todas las piezas en un solo color. Asi
mi exploración de las posibilidades plásticas del interior continuó a través de los esmaltes.

Los cuencos de la serie Iris retomaban ideas de las piezas de Señas Particulares pero resaltando el lado poético en lugar de focalizarme en el procesos de realización. Me detuve entonces a observar y disfrutar de las manchas irregulares y su leve iridiscencia que convertían una forma tan simple y simbólica en pequeñas joyas con el potencial de transformarse en objetos dignos de los rituales que nutren con emociones la vida cotidiana.

Se trataba de dar un paso más y unir los formas complejas con los colores exuberantes. Sabía que el resultado podía llegar a ser demasiado apabullante o confuso pero mi mayor preocupación era pensar que no estaba creando nada nuevo sino descansando en la seguridad de haber encontrado una fórmula. Y yo realmente no creo en las recetas para el arte ya que por más que volvamos a utilzar la misma técnica con los mismos materiales lo resultante será siempre diferente si se procede con sinceridad y dialogando con el trabajo en lugar de forzarlo hacia un camino determinado.

A pesar de que no estaba del todo segura decidí intentarlo y el resultado realmente me sorprendió para bien con un abanico de piezas que abarca desde formas sencillas con pocos detalles y que resaltan el la idea de contenedor y contenido hasta otras más complejas donde el ornato y tratamiento de superficie se entralazan con el color realzando el trabajo manual y apelando a otro modo de observación.

Finalmente la serie compuesta por 23 Flores a las cuales decidí llamar de esa manera simplemente porque creo que son una continuación y también una suerte de evolución de aquellas primeras piezas florales. El agregado en este caso son las siete Formas que las acompañan, todas ellas inspiradas en la obra Rocalla.

El conjunto quedó divido en tres partes:
- la primera actualmente en exhibición en Tokonoma
- la segunda todavía en mi poder
- la tercera, una selección que decidí guardarme para mí y no exhibir ni presentarla por el momento.


Fue la desición de quedarme con algunas de ellas lo que me llevó a resolver mi gran preocupación.
De los trabajos que presenté durante los últimos veinte años (tanto porcelanas como dibujos, pinturas, objetos y piezas de joyería), únicamente algunos de ellos quedaron conmigo, porque nunca encontraron dueño o porque se dañaron y unos pocos porque representaban algo nuevo que había descubierto y sentía la necesidad de conservarlos como recordatorio de la satisfacción que resulta del trabajo y esfuerzo constantes. Y esos hallazgos son el punto de llegada de un largo camino pero también el punto de partida para una nuevo recorrido.

La conclusión a la que llegué esta vez fue que la originalidad no reside sólo en el resultado sino también en las elecciones que llevan a su concreción. La obra no es algo que surge de la nada, es una construcción fruto de la unión del trabajo, la reflexión y la voluntad de comprometerse a presentar una visión propia del mundo.

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Saturday, 24 Jun 2017 Mi lugar
Con frecuencia me preguntan en dónde se pueden adquirir mis piezas y dibujos.
La respuesta suele ser rápida y sencilla: en Patrón y en Tokonoma, las dos tiendas en el corazón del barrio de Palermo que desde hace varios años las exhiben y venden sumando además la posibilidad de apreciarlas en persona y online a través del sitio Pulso Arte.

Vender mi trabajo a través de unos pocos lugares no me permite llegar a una gran audiencia pero me da la tranquilidad de saber que son presentadas en un contexto interesante junto a obras de otros artistas y diseñadores.

De todas formas la realidad es que mi producción anual suele ser muy acotada ya que el tiempo que tengo para trabajar es poco porque existen otras cuestiones importantes que requieren de mi dedicación y es mi desición darles proridad porque son esos otros aspectos los que lo alimentan.

No compartirlos públicamente en una época en la que lo que prepondera es la sobreexposición es una manera de resguardar y valorar mi vida privada.

Dicho esto, regreso a la cuestión incial: mi trabajo está disponible al público pero además, una pequeña selección de piezas de porcelana, joyería y dibujos están incluidos en un catálogo privado dentro de mi web.

No se trata de una tienda online ni de una lista con mercadería para pedir por encargo. Es simplemente un registro con información detallada y fotografías de algunas de aquello que no fue elegido para estar en las tiendas.

Cuando alguien me contacta con el interés de adquirir alguna de ellas les envío las instrucciones necesarias para poder acceder al catálogo.

Una vez dentro podrán constatar que no hay ningún botón para comprar de forma instantánea ya que la elección de objetos de estas características suele requerir ciertas consideraciones por parte del posible comprador y mi asesoramiento para compensar la desventaja de no poder apreciar la obra en persona proporcionando respuesta a preguntas e inquietudes.
Por mi lado debo asegurarme de que es factible poder hacer llegar la obra a destino si fuera necesario.

Suele ser en este punto donde surge la segunda pregunta más frecuente: si es posible visitar mi taller.

Lo cierto es que no tengo algo que pueda parecerse a eso que se asocia con la idea de taller o atelier.
Lo que sí tengo son espacios de trabajo en distintos lugares pero ninguno de ellos es realmente apropiado para exhibir o vender mi obra porque son lugares compartidos y de caracter privado.

Cuando en contadas ocasiones me siento capaz de abrirlos a quienes expresan el deseo de ver mi obra aparece el problema de mi restricción horaria que sólo termina por generar cierta incomidad y la impresión de una mala disposición de mi parte.
Para evitar estos malos entendidos es que privilegio el contacto por email.

No tengo un taller propio ni un horario de trabajo, pero eso no me impide encontrar el sitio y el momento para hacer aquello que tanto disfruto: dibujar, pintar y modelar en porcelana.

Presentar y vender lo que produzco es en realidad otra tarea diferente con la que no me siento cómoda y que es una necesidad surgida del deseo de poder continuar haciendo lo que me gusta.
Por eso elijo unos pocos lugares a los cuales confiarle esta misión e intento compensar lo escueto de la presencia de mi obra ofreciendo otra posibilidad de adquirirla. Alguna vez escuche la frase "el tiempo para la lectura no existe, se hace" sugiriendo que no hay momento en el día destinado a tal actividad sino que está en la voluntad de cada uno encontrar el tiempo necesario para hacerlo.

Mi oportunidad de trabajar es exactamente asi, no existe, la invento aprovechando los pocos momentos libres que tiene mi día. Y el espacio parece comportarse igual porque si la voluntad existe y la imaginación es grande no cuesta tanto econtrar donde sentarse a dibujar o modelar.

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