BLOG: NOTEBOOK IN BLOOM

BLOG: CUADERNO EN FLOR

Mi trabajo suele suceder en solitario y aunque a simple vista pueda parecer un monólogo, es en realidad un intento de diálogo que se activa cada vez que alguien se acerca para ver lo que hago, contarme lo que hace y empezar a ver puntos en común. Esas personas que me permiten dialogar e intercambiar son las que me empujan a hacer cosas nuevas.

My work usually happens while I'm alone and although at first glance it may seem like a monologue, it is really an attempt at dialogue that is activated every time someone pays attention to what I do, tell me what they do and start to find common ground. Those that allow me to dialogue with them are whose push me to do new things.

Elementos de inspiración que Nati trajo a nuestro encuentro organizados en paleta de verdes.

Leaves and pods, inspiration material for our art meeting organized as a palette of greens.

Así me encontré con Nati Petrozzi de Aguais Art, con quien comenzamos a dialogar como sucede hoy en día, a través de una red social. En algún momento me sugirió que ella quería tomar clases conmigo, pero dar clases es algo que no hago desde hace mucho tiempo y en ese lapso mi trabajo fue cambiando y mi técnica también. El proceso de enseñar requiere cierta distancia y reflexión sobre la propia obra y aunque estoy trabajando en eso, cuando Nati me pidió que le armara una clase, sentí que todavía no estaba lista.

Pero dado que ella es en realidad una colega que hace años trabaja en los campos del arte y el diseño gráfico sentí que era una buena oportunidad para ensayar un posible proyecto de clase y acordamos hacer un intercambio: yo le mostraría las técnicas que utilizo para dibujar con tinta y ella me ayudaría a transformarlas en una clase gracias a su experiencia enseñando acuarela. Y así lo hice, dedicando horas a desglosar mi práctica para acercarle algo que pudiera resultarle útil o inspirador.

That's how I met Nati Petrozzi from Aguais Art, with whom we began to chat, as it happens today, through a social network. At some point, she suggested that she wanted to take classes with me, but teaching is something I have not done for a long time and meanwhile, my work was changed and my technique too. The process of teaching requires some distance and reflection on my own practice and, although I am working on that, when Nati asked me to set up a class, I felt that I was not ready yet.

But since she is a colleague who has been working in the fields of art and graphic design for years, I thought that it was a good opportunity to put together a class project. So we made an agreement: I would present her the techniques I use to draw with ink and she would give me some feedback based on her experience as a watercolour teacher. And so I did, devoting hours to examine my own work and my practice to bring something that might be useful and inspiring for her.

Nos encontramos por primera y (hasta ahora) única vez en persona en un hermoso día de enero en el barrio de Parque Patricios, hasta donde se acercó viajando desde Mar del Plata. Y no sólo fue un día placentero sino que fue muy enriquecedor para mí. Encontrar a alguien dispuesta a escuchar lo que yo tenía para compartir con ella es invalorable. Y descubrir a alguien tan parecida a mí y con tanto para compartir desde su lado también. Fue un intercambio de experiencias, ideas y estéticas.

We met for the first time in person on a beautiful and sunny January day. And not only was it a pleasant meeting but it was also very enriching for me. Finding someone willing to listen to what I had to share with her was invaluable. And discover someone with similar interests and so much experience, was a prize.

Nati en pleno trabajo con tintas.

Nati at work.

Mi otro gran premio ese día fue partir con un proyecto de clase bajo el brazo, uno aprobado por la alumna más exigente, esa que sabe tanto o más que yo. Espero poder ponerlo en práctica pronto y animarme a contar cómo hago lo que hago y compartirlo.

That day I left with a class project under my belt, one approved by the most demanding student, one that knows as much or more than me. I hope to put it into practice soon.

Afortunadamente nuestro encuentro no quedó ahí, esta historia sigue su rumbo en la forma de colaboración entre Nati y yo a la cual bautizamos Pequeño paréntesis. La idea es simple: compartir nuestras miradas y experiencias en nuestro camino zigzagueante en esto de ser artistas independientes, donde no hay manual porque la experiencia de cada artista es única e irreplicable. Y no existe la forma correcta de ser artista, debemos inventarla a medida que andamos, porque si nuestra trayectoria se parece a la de otros u otras, estaremos dejando en evidencia nuestra falta de creatividad.

Los invito a conocer Pequeño paréntesis, a través de los posts mensulaes sobre diferentes temáticas que iremos publicando en el Blog de Puentestudio que gentilmente nos cede el espacios y en nuestra cuenta de IG:

https://www.instagram.com/pequenoparentesis/

ortunately, our meeting did not stop there, this story continues its course in the form of a collaboration between Nati and me, which we decided to call Little parenthesis. The idea is simple: share our views and experiences gained throughout the zigzag path of the independent artist's career, one that has no follow instructions because the experience of each artist is unique and irreplicable. And there is no right way to be an artist, we must invent it on the go because if our trajectory is similar to that of others, then we will be showing our lack of creativity.

I invite you to visit Little parenthesis through the monthly posts (in Spanish) about different topics related to an independent art practice that we will be publishing in the Puentestudio Blog (that kindly gives us space) and in our IG account:

https://www.instagram.com/pequenoparentesis/

Siempre me atrajeron mucho tanto la fauna como la flora marina pero creo que fue la porcelana con sus cualidades propias la que me llevó a desarrollar piezas que remiten al mar, imagino que si hubiese elegido trabajar con arcilla roja mi universo creativo habría resultado diferente.

I was always very attracted to both fauna and marine flora but I think it was the porcelain with its own qualities that led me to develop pieces that refer to the sea, I imagine that if I had chosen to work with red clay my creative universe would have turned out differently.

El salón principal de Clandestino Buenos Aires con mi obra "Flores" y la pieza textil de Carolina Salom titulada "Alga".

The main area at Clandestino Restaurant with Seaweeds by Carolina Salom and my porcelain Flowers.

Por algo elegí la porcelana, que es un material muy apreciado y con historia propia en mi familia (mi abuelo fundó la fábrica Borghi Porcelana que luego dirigieron mis padres hasta su cierre).

Esa cualidad marina de la porcelana, la que recuerda a la textura de caracoles y corales y los esmaltes azules frutos de la reducción que logra mi papá en el horno fabricado por el mismo y los esmaltes que formula con esmero y que me permite usar tan amablemente, hacen que mis flores se transformen en seres marinos, casi sin quererlos.

Piedras, la instalación cerca del fuego.

But for a reason, I chose porcelain, which is a very appreciated material with its own history in my family (my grandfather founded the Borghi Porcelain factory that my parents later directed until its closure).

That marine quality of porcelain, reminiscent of the texture of seashells and corals and the blue glaze achieved by reduction firing by my father in the kiln he built himself and the glazes that he formulates with care and that allows me to use so kindly, they make my flowers transform into sea creatures.

Stones, the porcelain installation near the fire area.

Eso fue lo que vio la artista textil colombiana Carolina Salom, quien hoy reside en Buenos Aires pero vivió en otros lugares antes de elegir su actual destino, y uno deellos, Baja California, inspiró su obra “Algas” con la cual me invitó a hacer dialogar mi trabajo en una ambientación especialmente pensada para el espacio interior del restaurante Clandestino, ubicado en Palermo Hollywood y cuyo lema es “tierra, fuego y mar”.

A pesar de trabajar con materiales diferentes y haber desarrollado nuestras propias estéticas, nuestros trabajos se complementan a la perfección, infundiendo al ambiente principal del restaurante un espíritu marino que provoca nuestra imaginación hasta hacerla creer que estamos dentro de un viejo barco de madera, disfrutando de una comida única cocinada al calor de las llamas y el carbón.

That's what Colombian textile artist Carolina Salom saw on my work. She is currently based in Argentina but lived in other places, including Low California, which informed her work "Seaweeds". She invited me to present my porcelain pieces along with her textile wall hangings for an installation specially designed for the interior space of Clandestino restaurant which motto is "land, fire and sea".

Despite working with different materials and having developed our own aesthetics, our works complement each other perfectly, infusing the restaurant's main room with a marine spirit that provokes our imagination to make us believe that we are inside an old wooden ship, enjoying a unique meal cooked in the heat of the flames and charcoal.

Hay artistas que se comportan como tales. Y después hay personas como yo, que me muevo en una suerte de limbo entre el arte y el diseño y que me comporto como… una ama de casa.

Siempre preparo todo con anticipación. No tengo un taller, aprovecho rincones de mi casa los cuales transformo repentinamente en espacio de trabajo y cuando termino no dejo rastros, todo vuelve a la normalidad, ningún juguete queda sin guardar.

Los años se dividen en meses, los meses en semanas, las semanas en días y los días en casilleros de la agenda. Y la agenda siempre está completa, con frases infinitivas como “comprar tinta negra” o “ llamar a la librería y consultar si tienen papel de 420gr”.

Como buena ama de casa, organizo cada día según las actividades que yo misma me asigno, como si estuviera transcribiendo un cronograma escolar.
Repaso mi agenda con la mirada:
 - lunes de 9 a 11: armar collares
 - martes de 14 a 15.30: cortar hojas y las mancharlas con tinta
 - jueves de 10 a 12: fotografiar piezas terminadas
La lista continúa hasta llegar al fin de semana, momento en que la emoción al contemplar esos dos días de supuesto descanso que prometen tantas horas continuas de trabajo, se nubla al recordar una serie de compromisos postergados que, acto seguido, pasarán a rellenar el total de los casilleros ubicados bajo los nombre Sábado y Domingo.

No me llena de orgullo ser una “ama de casa del arte”, tampoco me avergüenza. No es más que una realidad, la mía, la de alguien que tiene que hacer malabares con el tiempo para poder hacer lo que considero “mi trabajo”.

Hay quienes trabajan aprovechando repentinas rachas de inspiración que aparecen y desaparecen sin mayores explicaciones. En mi caso, lo que más tengo es preocupación, la inspiración es algo que le pasa a los otros. Mientras tanto, continúo con mis tareas y si la inspiración llega, mejor que me encuentre trabajando.

There are artists who behave as such. And then there are people like me, who move me in a kind of limbo between art and design and I behave like ... a housewife.

I always prepare everything in advance. I do not have a workshop, I take advantage of corners of my house which I suddenly transform into a workspace and when I finish I leave no traces, everything returns to normal, no toy is left on view.

The years are divided into months, months into weeks, weeks into days and days into boxes in my planner that is always cramped with infinitive phrases such as "to buy black ink" or "to call the art supply store and check if they have 420gr paper."

Like a good housewife, I organize every day according to the tasks that I assign myself as if I were transcribing a school schedule. I look through my planner:
Monday from 9 to 11 am: putting necklaces together.
Tuesday from 2 to 13.30 pm: cut paper and stain it with ink.
Thursday from 10 to 11.30 am: photographing finished pieces.
The list continues until the weekend, when the excitement of contemplating those two days of supposed rest that promise so many continuous hours of work, is clouded by remembering a series of delayed commitments that, immediately, will fill in the total of the lockers located under the names Saturday and Sunday.

I'm not proud of being a "housewife of art"; I'm not ashamed either. It is only my reality and I have to juggle with time to do what I consider "my work".

There are those who work taking advantage of sudden gusts of inspiration that appear and disappear without further explanation. In my case, what I have the most are worries, inspiration is something that happens to others. Meanwhile, I continue with my tasks and, if inspiration strikes, better to find me working.

Sigo profundizando en esta serie que me va resultando cada vez más interesante. Onirial Color en nuevas variantes, tintes y modelos.
Disponibles en Patrón Buenos Aires, Malabia 1644, Palermo.

I keep on workin on Onirial Color series developing new designs and trying new natural dyes and stains.
These latest pieces are already available at Patrón Concept Store in Buenos Aires.

Tres variantes del collar Fronda Banda con dijes de porcelana pigmentados y cintas de algodón teñidas con tintes naturales de palta, cebolla, nogalina e hibiscus.

Three versions of the Fronda Banda necklace featuring pigmented porcelain beads and cotton cords and ribbons tinted with natural dyes extracted from avocado and onion skin, wallnut and hibiscus flowers.

Collar Oruga realizado con la técnica del enfilado de perlas. Caterpillar necklace made using traditional pearl necklace technique.

Collar Cencerro con lino y algodón teñidos con tinte de yerba mate. Bell necklace with linen and cotton cord tinted with maté natural dye.

Collar Fronda Banda. Fronda Banda necklace.

Collar Coral con lino trenzado y algodón. Coral necklace with cotton and braided linen cords.

Aros pasantes en porcelana pigemntada y plata. Dispoinbles en Patrón Buenos Aires, Malabia 1644, palermo.

Earrings in pigmented porcelain and silver. Available at Patrón Concpet Store, Buenso Aires.

Hace muchos años conversando con alguien surgió la cuestión de cómo hacer para conciliar el sueño en casos de insomnio. Recuerdo que en aquel momento compartí mi manera de lograrlo que, aunque no es infalible, tampoco es tan compleja como para no probarla.

Many years ago, when talking with friends, the question of how to get to sleep in cases of insomnia arose. I remember that, at that time, I shared my way of achieving that, although it is not infallible, it is not so complex as not to try it.

Dos hojas manchadas con tinta y nogalina que ya contienen las primeras marcas de un futuro dibujo.

Two papers stain with indian and walnut ink that already contain a few strokes of pencil, ready to be turned into drawings.

Cómo soñar

La cuestión es estar en la oscuridad cerrar los ojos e intentar pensar en imágenes un tanto delirantes. Recordar una anécdota, deformarla mentalmente con los ojos aún cerrados y permitir que las imágenes absurdas se encadenen unas a otras para así, casi sin uno darse cuenta, dar paso al verdadero sueño, el que ocurre en algún lugar de nuestro cerebro y procesa las cuestiones de nuestro día de una manera también absurda y principalmente visual.

Quizás, estas instrucciones podrían servir también para explicar cómo dibujar, o mejor dicho, como hago yo para dibujar. Esta forma de conciliar el sueño podría servir también para concebir un dibujo.

How to dream

The way would be to be in the dark, close your eyes and to think of images somewhat delirious. Allow the absurd images to chain each other up so, almost without realizing it, give way to the real dream, the one that happens somewhere in our brain and processes the issues of our day in a way that is also absurd and mainly visual.

Perhaps these instructions could also serve to explain how to draw, or rather, how I draw.

Buscando las imágenes. Searching for images.

Uno de los desafíos que en ocasiones me impongo: lograr que la imagen sea contínua entre ambas hojas. One of the challenges that I sometimes take: to create an image that continues in both sheets.

Cómo Dibujar

En este caso, mantengo los ojos bien abiertos. Comienzo por manchar una hoja o busco alguna ya usada, por ejemplo, algún trabajo anterior que no me gustó y lo descarté pero que afortunadamente, todavía no llegó a la basura. Vale también borronear o hacer marcas encima para que el dibujo inicial deje de comprenderse, o utilizar la hoja de cabeza para que el dibujo anterior no acapare la mirada.

Quiero aclarar que gracias a esta costumbre me gané los retos de mis compañeros de taller en mi época de estudiante que pensaban que reutilizaba las hojas descartadas para no gastar plata comprando hojas nuevas (y eso era en parte cierto, pero no el único motivo).

How to draw

In this case, I keep my eyes wide open. I start by staining the piece of paper that I've chosen to work with. Sometimes I take advantage of discarded previous works. In the last case, I turn the paper so that the previous drawing does not appear intelligible.

I want to clarify that, thanks to this custom, my classmates at art school used to joke saying that I reused papers to not spend money buying new ones (and that was partly true, but not the only reason).

Semillas, formas simples y motivos repetidos. Lo que me rodea suele llegar a mis dibujos. Seeds, simple shapes and a repeated motif. What surrounds me, sometimes make it to my works.

Repetición de una forma simple para crear pétalos, variaciones y puntos de interés. Repetition of a simple shape to create petals, variations and points of interest.

Una hoja en blanco presenta infinita cantidad de posibilidades, mientras que una hoja manchada o marcada nos sitúa en un escenario determinado. Me gusta imaginar la hoja manchada como un campo, una superficie donde pueden encontrarse rastros de algo anterior y esas mismas marcas captan mi imaginación y conjuran imágenes, como aquellas visualizaciones absurdas que me llevan al sueño.

A blank page presents an infinite number of possibilities, while a stained or marked sheet places us in a certain scenario. I like to imagine stained paper as a land, a surface where I can guess traces of something earlier and those same marks capture my imagination and conjure images, like those absurd visualizations that lead me to the dream.

Las manchas van transformándose en dibujos. Y yo los llamos dibujos porque su carácter está definido por la línea y no por planos de color.

The early ink strokes are slowly turning into a drawing. I call my works drawings because they are defined by lines not by colour.

Comienzo por pensar: qué imagen es ésta que me sugieren las marcas, qué características tiene, qué colores, qué líneas, etc. Los grafismos resultantes surgirán de una suerte de diálogo con todo lo que puebla el soporte, habrá una serie acotada de elementos con los cuáles empezar a trabajar en lugar de una infinidad.

So I begin by thinking: what image is this, what are these marks suggesting me, what features do they have, what colours, what lines, etc. The resulting graphics will emerge from a kind of dialogue with all that is already there, a limited series of elements with which to start working instead of infinite possibilities.

El sugerente tronco texturado de un eucaliptus y una paleta de color perfecta. The suggestive texture of a Eucaliptus tree trunk and a perfect colour palette.

Agregando más detalle a los deatlles. Adding more detail to the details.

Al comenzar un nuevo dibujo de este modo, siempre me tomo tiempo para observar la superficie, giro la hoja o la coloco en el piso y camino a su alrededor en busca de algún indicio, hasta que las marcas comienzan a revelarme algo, una forma, una imagen, como cuando miramos las nubes y vemos caballos o barcos o una cara familiar. Cuando la imagen aparece, actúo con rapidez, trazo una línea y luego otra, unas pocas, como para esbozar la idea. Pero la imagen final nunca nunca se presenta completa, es un proceso lento, como un rompecabezas.

When starting a new drawing this way I allow myself time to observe the surface, I rotate it, or place it on the floor and walk around it until the marks begin to reveal something, a shape or an image, as when we look at the clouds and see horses or boats or a familiar face. When the image appears I act quickly, draw a line and then another as when sketching. But the full image never reveals to me in one go, it's a slow process, like a puzzle.

Dibujo tomando forma.

Shapes becoming a drawing.

Con paciencia voy agregando detalles. Una herramienta esencial en esta etapa es la goma de borrar, que me permite remover todo aquello que interfiere en la imagen que quiero revelar pero que nunca me va a permitir eliminar las marcas previas por completo, creando diferentes capas y dándole profundidad al trabajo. También uso pintura latex para enmascarar áreas y crear puntos de interés.

Fue esta “mala costumbre” de reutilizar dibujos y pinturas descartadas la que siempre me ayudó a esquivar el famoso pánico a la hoja en blanco. Hoy sigo haciendo lo mismo pero trabajo con papeles y soportes de excelente calidad, porque sé que voy a ser capaz de transformarlos en una obra.

I continue to add details patiently, day after day. And essential tool at this stage is the eraser, as it allows me to remove everything that interferes in the image I found but never completely, so the previous layers are still perceptible. They add thickness and to the final image. I also use matt paint as an instrument to mask areas and highlight a subject.

Las horas de dibujo van consumiendo la espiral del tiempo. The drawing hours consuming the spiral of time.

Línea a línea. Line by line.

Cómo despertarse

¿Y cuándo está terminado? Bueno, será como en los sueños donde uno no elige nada, todo sucede y nos despertamos justo cuando estamos a punto de develar el misterio. Acá lo mismo, en algún momento nos alejamos un poco para ver cómo vamos y  y nos encontramos con la imagen, una que quizás nunca habíamos imaginado pero nos gusta y nos intriga. Y este último detalle es más que importante. A mi modo de ver, la obra está terminada cuando sugiere pero no dice todo, igual que en los sueños en los cuales, cuando uno ve algo interesante y quiere acercarse para observarlo mejor, de pronto todo se vuelve borroso, o nos alejamos involuntariamente mientras creemos que nos acercamos. La obra está terminada cuando no está todo dicho, cuando todavía queda espacio para que, quien la observe, pueda imaginar su propio cuadro, cuando da lugar al otro y el diálogo.

It was this "bad habit" of reusing drawings and discarded paintings that would help me forever to dodge the famous panic to the blank page. Today I still do the same but I always work with high-quality papers, because I know that I will be able to turn them into drawings.

Manchas y líneas antes de agregar el fondo. Strokes and lines before adding a background.

Manchas y líneas después de agegar el fondo. Strokes and lines after adding a background.

Los sueños de otros

El díptico combinable que acompaña este texto lo realicé a pedido. Trabajar a pedido es una de las tareas que comienzo cada año en el mes de marzo, prolongandose hasta el mes de octubre. Durante este período realizo dibujos dentro mi estilo y series personales, pero en diálogo con quienes me contactan para adquirir una obra original que se ajuste a su sensibilidad.

El proceso es lento pero gratificante. Comienza con intercambios vía email para dilucidar cuál de los estilos que desarrollo en mi trabajo resulta particularmente atrayente a quien me contacta y continúa con pautas de tamaño y colores. Luego me corresponde a mí un tiempo de trabajo en solitario, generalmente de un mes a 45 días (dependiendo de la cantidad de encargos recibidos hasta ese momento) para producir la obra.

Para quienes sientan interés o simple curiosidad acerca de este proceso, pueden escribirme a cecilia@ceciliaborghi.com y con gusto les enviaré pautas y precios.

How to wake up

And when is the work finished? Well, it will be like in dreams, one does not choose anything, it happens, we wake up just when we are about to unveil the mystery. Here is the same, at some point I step back to see how it goes and there is this image, one that perhaps I had never imagined but I like it and it intrigues me. This last detail is important. I feel the work is finished when it suggests but does not say everything, just like in dreams, when you see something interesting and want to get closer to observe it better but suddenly everything becomes blurred, or we go away involuntarily while we believe that we approach.

The work is finished when not everything is said, when there is still space for those who observe it can imagine their own picture, when it opens up to a dialogue.

Frutos de otoño 1 y 2. Dibujos realizados por encargo con tinta, nogalina, lápiz y látex sobre papel Schoellershammer de 35x25cm realizados por encargo.

Fruits 1 and 2. Drawings made with indian and walnut ink, pencil and paint on Schoellershammer paper, 35x25cm. Made by order. 
 

Mi forma de ingresar al mundo del arte fue gracias a la porcelana. Ese material que conozco desde chica (porque es el que utilizaba para jugar en la fábrica de mi familia) fue el que me permitió empezar a construir mi propia obra y una estética personal, no por casualidad.

My way of entering the world of art was thanks to porcelain. I became familiar with this medium when I was a girl because my family owned a porcelain factory. This material allowed me to start building my own work and a personal aesthetic, and it was not by chance.

Tinta gestual realizada sobre papel de 420g con imprimación de látex.
Ink on painted on paper.

Fluir

La infancia es un momento de nuestras vidas en que experimentamos el mundo con ojos nuevos y todo es sorpresa, un tiempo en que nos encontramos libres de los prejuicios y mandatos de la adultez. Al tocar la masa suave de la porcelana no puedo evitar retrotraerme a mi infancia, porque el tacto es un sentido primitivo (al igual que el olfato) y permite que los recuerdos se desencadenen con rapidez y las imágenes emerjan.

Para encontrar la propia voz a veces no hay que inventarla sino recuperarla, rescatarla de aquellos lugares en los que quedó escondida, tapada por infinitas capas de conocimientos acumulados e instrucciones. La porcelana me devolvió a mi mundo de infancia y a los decorados florales.

Para mezclar las tintas prefiero utilizar frascos de vidrio y platos de porcelana cachados para evitar el plástico, por su falta de estabilidad. When mixing inks I prefer using glass jars and chipped porcelain bowls to avoid plastic, a material that lacks stability.

Tinta gestual realizada sobre papel de 420g con imprimación de látex. Ink on painted on paper.

En el intento de descubrir las posibilidades del material exploré diferentes técnicas, incluyendo la construcción por colado en la cual se utiliza barbotina, una versión líquida de la pasta de porcelana que sirve para crear piezas de espesores muy delgados. Vertir la barbotina dentro del molde de yeso permite crear formas livianas y frágiles que se deforman con mucha facilidad. Tras años de práctica aprendí a lograr piezas de espesores extremadamente delgados y a manipularlas y trabajarlas sin que sufrieran ninguna deformación. Y cuando lo hube logrado tuve la sensación de haber borrado todas las marcas de expresión de los objetos que creaba.

Considero que cada marca cuenta una historia, por eso decidí dejar los moldes de lado y experimentar con la barbotina a mano alzada, dibujando sobre placas de yeso como si fuera pintura. De eso a la tinta había solo un paso. El agua, elemento presente en ambos medios, era la clave.

In the attempt to discover the possibilities of the material I explored different techniques, including the construction by casting in which slip is used, a liquid version of the porcelain paste that serves to create weightless pieces. Pouring the slip inside the plaster mould allows creating light and fragile shapes that deform very easily. After years of practice, I learned to manipulate them while avoiding accidental deformations. And when I had achieved it, I felt I had erased all the expression marks of the objects that I created.

I believe that each mark tells a story so I decided to leave the moulds aside and experiment with the slip alone, drawing on plasterboard as if I was using paint. From that to ink there was only one step. Water, an element present in both media, was the key.

Pinceleta de bambú, una de mis herramientas favoritas a la hora de hacer manchas grandes con tinta.

Bamboo brush, composed of 10 small brushes attached together, one of my favourite tools when painting with ink.

A diferencia de mis años de estudio, en los que intentaba tener todo bajo control para cumplir con cada ejercitación o requerimiento de mis profesores, esta vez no me importó la perfección sino aquello que el agua hace y el rastro que deja la tinta. Haber experimentado antes, tan despreocupadamente, con barbotina fue lo que me permitió esta actitud diferente.

Mi nuevo desafío fue dejar hablar a la tinta sin que ahogue mi voz, permitir que mi propia historia fluyera a través de ella y se hiciera visible.El azar revela el potencial de cada material y nos presenta la posibilidad de manifestar su belleza a través de nuestro trabajo. Yo encontré en la tinta un medio apropiado para expresarme. Así lo había hecho con la porcelana y me permití una vez más, dejarme llevar por el agua.

Unlike in my years of study, when I tried to have everything under control to comply with each exercise or requirement of my teachers, this time, I did not care about perfection but what the water does and the trace left by the ink. Having experienced before, so blithely, with slip was what allowed me this new approach.

My challenge now was to let the ink speak without drowning my voice, allowing my own story to flow through it and become visible.Chance reveals the potential of each material and presents us with the possibility of expressing its beauty through our work. I found in ink an appropriate means of expression. So I let myself be carried away by the water.

Mezcla de tinta roja y nogalina decantada en el fondo del tazón. A mix of red and walnut ink sinking in the bowl.

Tinta roja con nogalina y tinta negra. Maroon and black inks.

Confluencias

Mientras escribo este texto observo, desde el rincón de mi casa donde estoy sentada, la mancha de humedad que avanza, lenta pero segura, en la pared que intento impermeabilizar desde hace tanto tiempo, sin ningún éxito. Y no dejo de sorprenderme por la cantidad de sensaciones que me despierta un mismo elemento, el que asocio a la paz más absoluta (flotar) y al terror más extremo (ahogarme).

Elegir trabajar con materiales que, como la porcelana o la tinta, contienen en su composición un elemento tan esencial, despiertan toda clase de sensaciones, muy distintas a las que experimentaba cuando trabajaba con pintura al óleo, un material que hay que aprender a estirar y empujar porque no tiene la fluidez del agua y que, en sus versión rebajada con diluyentes, produce chorreaduras de tipo acuoso pero no posee la tensión superficial del agua, esa que mantiene una gota perfectamente quieta en un punto y permite que la tinta se vaya asentando con lentitud.

Confluences

As I write this text I observe, from the corner of my house where I am sitting, the stain of humidity that advances, slowly but surely, on the wall that I tried to waterproof for so long, without any success. And I never cease to be surprised by the number of sensations aroused by the same element, the one that I associate with the most absolute peace (floating) and the most extreme terror (drowning).

When choosing materials such as porcelain or ink, I'm also choosing an element, water, that awakes all sorts of feelings. And water-based mediums are very different to oil-based ones such as oil paint, a material that you have to learn to stretch and push because it does not have the fluidity of the water. Even when in its diluted version it produces water-like drippings it does not have the surface tension of the water, that which keeps a drop perfectly in place and allows the ink to settle slowly.

La gota se mantiene en su lugar y permite que la tinta se decante generando manchas de tonos profundos, gracias a la tensión superficial del agua.
The water drops stay in its place until it dries allowing the pigment to sink and create deep tones thanks to water's surface tension.

Cauce

Las reflexiones sobre mi práctica parten del trabajo realizado a conciencia pero también de lecturas orientadoras. En este caso en particular utilicé como referencia dos libros: “Wabi-sabi para artistas, diseñadores, poetas y filósofos” y “Wabi-sabi, nuevas consideraciones” de Leonard Koren, SD Ediciones. En 1994 el escritor norteamericano y experto en estética Leonard Koren acuñó el término wabi-sabi para nombrar la belleza de las cosas imperfectas, impermanentes e incompletas, una belleza de las cosas humildes y modestas, la belleza de lo inconvencional, poniendo el foco en la materialidad de los objetos con los cuales convivimos y destacando su poética. Su análisis resalta la importancia del medio a través del cual se intenta comunicar una idea en el mundo del arte y el diseño.

Source

This brief essay was inspired by two books: "Wabi-sabi for Artists, Poets, Designers and Philosophers" and "Wabi-sabi: Further Thoughts" by Leonard Koren. In 1994 the American writer and aesthetic expert Leonard Koren coined the term wabi-sabi to name the beauty of imperfect, impermanent and incomplete things, a beauty of humble and modest things, the beauty of the unconventional putting the focus on the materiality of the objects with which we coexist and highlighting their poetics. His analysis remarks the importance of the medium through which an idea is attempted to communicate in the world of art and design.

El principio de una serie de trabajos.

The beginning of a series.

Las imágenes que ilustran mis palabras son el registro fotográfico que logré mientras realizaba tintas gestuales, una mañana gris del año 2017. Conservo estos trabajos como referentes de aquello que pretendo encontrar en la labor con tintas y dieron origen a la serie en la que estoy trabajando actualmente titulada “Tintes” algunas de cuyas obras se encuentran actualmente en Merecido Home Decor.

Realizar dibujos gestuales con tinta con cierta regularidad me resulta siempre útil en momentos en que me siento desorientada con respecto a mi trabajo. El agua me devuelve a mi propio cauce. Por esta razón la tinta será uno de los materiales que propondré para trabajar en el taller que dictaré por primera vez en abril de este año en el barrio de Palermo y que titulé "Un Gesto Propio". Será un espacio donde quienes asistan tendrán la posibilidad de comenzar a desarrollar una poética personal. Compartiré más información muy pronto.

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The images that illustrate my words are the photographic record that I achieved a rainy morning of the year 2017 while making gestural inks. I keep these works as references of what I pretend to find while working with inks and they have inspired the series I 'm currently working on which I titled "Tinctures". Some of those works are available at Merecido Home Decor.

The ink will also be one of the materials that I will propose in the workshop that I'm teaching in April, "A gesture of one's own". It will be a space where those who attend will have the possibility of starting to develop a personal poetic. I will share more information very soon.

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